El Buenos Aires que se fue

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Artistas destacados

JOHN ALTON

John Alton fue un fotógrafo cinematográfico nacido en Hungría el 5 de octubre de 1901.

A partir de 1920, comenzó a trabajar en Los Ángeles, California, como operador de cámara. Lo hizo en  Francia con Ernst Lubitsch, a partir de 1927.  

En el año 1932, fue convocado por los “Estudios Lumiton”, de Argentina, para hacerse cargo de la fotografía. Debutó con la primera película de “Lumiton”, “Los tres berretines”, inaugurando la época del cine sonoro argentino, una semana después que lo hiciera con la película “Tango”, el sello “Argentina Sono Film”, en 1933.

Le siguieron 20 películas más, hasta el año 1939. En ese lapso, Alton tuvo la oportunidad de participar en la elaboración del guión de varios films y de dirigir 2 películas, “El hijo de papá” y “Puerta cerrada”. Trabajó en 13 películas con el destacado escenógrafo y artista plástico internacional argentina  Raúl Soldi.

A fines de 1939 retornó a Hollywood, donde se convirtió en uno de los fotógrafos más valorados del cine. Se desempeñó en estudios de

Foto: moviemorlocks.com

segunda línea, como el sello “Republic”, dedicado a películas de clase B. Fue Capitan del Cuerpo de Señales durante la Segunda Guerra Mundial.

A su regreso, trabajó en los estudios “R:K:O”: y “Monogram”. Se asoció con el director Anthony Mann realizando “La brigada suicida”, película de bajo presupuesto, a la que se sumaron “Raw Deal” y “He walked by night”, tres puntales del “cine negro” norteamericano. Según Alton, utilizaba la luz “para crear el clima”.

Foto IMDb

En 1949 publicó el libro “Painting with light”, con conceptos vigentes en la hora actual. Trabajando con el director Vincent Minelli, fue galardonado con el Oscar a la mejor fotografía por “Un americano en París”, en 1951. Se retiró del trabajo activo en 1966. Falleció en Santa Mónica, California, el 2 de junio de 1996.

John Alton, que marcó para siempre con su aporte la calidad de la cinematografía argentina, vivió en Buenos Aires, en ese Buenos Aires que se fue.

Fuente: https://es.wikipedia.org/wiki.John_Alton

https://es.wikipedia.org/wiki/Lumiton

Artistas destacados, El cine, Los entretenimientos, Realidades argentinas, Vivieron en Buenos Aires

MANUEL GARCÍA FERRÉ

Manuel García Ferré fue un dibujante e historietista nacido en Almería, España, el 8 de octubre de 1929.

Llegó a Argentina en 1947 junto con sus padres. Rindió las equivalencias del bachillerato, que había cursado en España e ingresó a la Facultad de Arquitectura donde cursó algunos años. Comenzó a trabajar en 1952, en la revista Billiken donde presentó al linyera “Pi Pio”, su primer personaje.

En 1955 ingresó a la empresa cinematográfica Lowe, donde realizó cortos publicitarios y jingles. Creó a “Calculín”, uno de sus personajes favoritos, que se caracterizaba por tener un libro abierto en su cabeza. Realizó exitosas publicidades animadas por las que ganó el premio Martín Fierro 1964.

Foto: Diario “La Nación”

Promocionó distintas marcas a través de sus personajes “Anteojito” y “Antifáz”, hecho que le facilitó el apoyo del empresario Julio Korn para lanzar la revista “Anteojito”, publicándose el primer número el 8 de octubre de 1964. Durante sus cuatro décadas de vigencia compitió con “Billiken”, siguiendo los planes escolares, pero ofreciendo juegos e historietas. Completó 1925 ejemplares, hasta diciembre de 2001.

Los personajes llegaron a la televisión integrando “El Show de Anteojito y Antifáz” o “El Club de Anteojito”. El 7 de agosto de 1967 apareció la serie televisiva “Las Aventuras de Hijitus”. Le siguieron tres ratones, “Larguirucho”, “Pucho” y “Serrucho”. Fueron trascendentales el “Profesor Neurus” y la “Bruja Cachavacha” entre los personajes malvados.

Los personajes crecieron día a día gracias a García Ferré y sus ochenta colaboradores. En 1968 apareció la revista “Antifaz” y al año siguiente “Aventuras de Hijitus”. En 1972, se estrenó el largometraje “Mil intentos y un invento”, el primer largometraje argentino de dibujos animados protagonizzado por Anteojito y Antifaz.

En 1973 le siguió “Las aventuras de Hijitus” y en 1975 “Petete y Trapito”, sin dejar de mencionar el éxito paralelo de “El libro gordo de Petete”, con material de interés general y educativo. En 1983, finalizó el rodaje de “Ico, el caballito valiente”, que se estrenó en 1987.

Manuel García Ferré trabajaba con la escritora Inés Geldstein, su esposa. Fue galardonado con los premios San Gabriel, Prensario, Konex, entre otros. En 1999 estrenó el largometraje “Manuelita, la tortuga”. El 28 de diciembre de 2001, finalizó la edición de la revista “Anteojito”.

El 22 de setiembre de 2009 fue declarado “Ciudadano Ilustre de la Ciudad de Buenos Aires”. En 2012 presentó el largo metraje, “Soledad y Larguirucho”. Falleció el 28 de marzo de 2013 en el Hospital Alemán, durante una operación de corazón. Manuel García Ferré, un grande de  la cultura que nos alegró la infancia, vivió en Buenos Aires, en ese Buenos Aires que se fue.

Fuente: Apolito, Fabián: Manuel García Ferré. Artista, empresariio y realizador.

http://todohistorietas.com.ar/farre3.htm

Murió el historietista Manuel García Ferré. La Nación, 28 marzo 2013.

Sirven P. García Ferré, un creador que nos alegró la infancia. La Nación 30 marzo 2013.

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FERNANDO IGLESIAS (TACHOLAS)

Fernando Iglesias, “Tacholas”, fue un actor gallego nacido en Orense, España, el 25 de agosto de 1909.

Llegó a la República Argentina en 1929, donde ya vivían sus padres y hermanas. Se integró a la actividad cultural de las sociedades gallegas, especialmente con la Unión Provincial Orensana. En 1932 participó de audiciones radiofónicas y en festivales para recaudar fondos para la causa republicana.

En 1941, presentó en el Teatro Maravillas, la obra “Uovo de duas xemas”. Fue el principal dinamizador del teatro gallego en Buenos Aires. Fundó la Compañía de Comedias Galegas Boga - Tacholas, junto a Maruja Boga.

En 1945, creó la audición radiofónica “Recordando a Galicia”, junto a Mercedes Boga y Alfredo Aróstegui. En 1945 debutó en la película “Chiruca”, bajo la dirección de Benito Perojo, otro exiliado español. En 1953 inauguró el programa radiofónico “La Voz de Galicia”. Estuvo estrechamente vinculado con la cultura gallega en la Argentina.

Fue miembro de la “Casa de Galicia”, “Centro Gallego de Buenos Aires”, “Centro Orensano”, “Hogar Gallego para ancianos”, “Centro coruñés” y la “Sociedad General de Autores de Argentina”. Llevó a escena numerosas obras de autores gallegos presentando un teatro gallego de calidad. Fue una de sus características, la defensa de la galleguidad en el exilio.

En 1970, participó en los cursos de Lee Strasberg, dictados en Buenos Aires, en los cuales el Director, destacó sus calidad interpretativa. En ese año, obtuvo el premio al mejor actor de reparto en la IV Semana del Cine Internacional de Mar del Plata, por su trabajo en “Crónica de una señora”. Filmó más de 40 películas.

Estuvo enfrentado con los autores teatrales y directores de cine que utilizaban el gallego como caricatura de los personajes. Integró los elencos del Teatro Municipal General San Martín, con el que realizó giras por todo el país. Un documental en video “Tacholas, un actor galaico porteño”, dirigido por José Santiso en 2003, homenajeó su memoria, rescatando del olvido a este singular personaje.

Murió en Buenos Aires, el 14 de mayo de 1991. Fernando Iglesias, “Tacholas”, fue uno de los principales actores gallegos del Siglo XX, que desarrolló su vida artística en ese Buenos Aires que se fue.

Fuente: www.lanacion.com.ar (http://www.lanacion.com.ar/Archivo/nota.asp?nota_ed=6Y2419

Fernando Iglesias Sánchez. Biografíasy Vidas. La enciclopedia biográfica en línea.

Tacholas, un actor galaico-porteño. La Nación 16-09-2004.

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LAS ORQUESTAS INVISIBLES

Las orquestas tienen como finalidad actuar ante el público, a fin de mostrar su repertorio y sus éxitos.

Sin embargo, existieron dos orquestas de música popular, una en Buenos Aires, la “Orquesta Típica Víctor”, creada en marzo de 1925 y la otra en Alemania, “Wiener Boheme Orchester”, creada en mayo de 1930, conocida entre nosotros como “Los Bohemios Vieneses”, que no conocieron al público.

La elección no es arbitraria porque la orquesta alemana, fue creada y dirigida hasta 1932 por el maestro Dajos Bela, que llegó a Buenos Aires en 1935 contratado por “Radio Splendid”, como director del  conjunto “Cuarteto Los Bohemios Vieneses”, que incluía a tres de los  integrantes de la “Orquesta Bohemios Vieneses”.

En 1936, se desempeñó en “Radio El Mundo”, donde permaneció varios años. La “Orquesta Bohemios Vieneses”, grabó en discos “Odeón”, solo valses, hasta el año 1941. Nunca actuó en público y en sus actuaciones usaron instrumentos muy diversos como el xilofón, vibráfomo, mandolín, guitarra hawaiana, guitarra acúsrica, piano, saxofón, cítara, campanas tubulares, órgano, marimba, acordeón, tuba y trompeta. Su denominación variaba según el país: en Francia era “L’Orchestre Bohemian”, en Italia “Orchestra Tipica Vienesse, etc.

La “Orquesta Típica Víctor”, pertenecía al sello “RCA Víctor”. Fue creada en 1925 asignándose la dirección al maestro Adolfo Carabelli. Grabó sus primeros dos tangos el 9 de noviembre de 1925. La conformación de la orquesta era muy variable, con una elevada rotación de músicos, que por diversas razones, no se hacían presentes.                    

Pero existía un punto en común que era, la elevada calidad del plantel en todo momento. Otros directores que sucedieron a Carabelli fueron Federico Scorticati en 1936 y en 1943, Mario Maurano. La última grabación la realizó el 9 de mayo de 1944, completando 444 grabaciones.

Al igual que la orquesta “Los Bohemios Vieneses”, no se presentó en cafés, ni cabarets, ni en boites, ni teatros, ni bailes en los clubes, ni presentaciones radiales. La orquesta se creó solo para grabar discos. Colaboraron buenos cantores como Roberto Díaz, Alberto Gómez, Ernesto Famá, Charlo, Angel Vargas y otros. Al igual que la orquesta alemana, la “Orquesta Típica Víctor” fue una orquesta invisible, en aquel Buenos Aires que se fue.

Fuente: http://www.last.fm/es/music/Orquesta+Tipica+Victor

http://www.todotango.com/historias/cronica/466/Orquesta-Tipica-Victor

http://www.todotango.com/comunidad/mesa/mensaje.aspx?top=ale&

http://discotecaotonal.blogspot.com.ar/2005/09/orquesta-los-bohemios-vieneses

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LAS MUERTES TRÁGICAS EN EL TANGO (2)

Jorge Maciel (Carlos Pellegrini), fue un cantor de tangos nacido en Buenos Aires, el 17 de setiembre de 1920.

Fue un típico representante del cantor de la década del cuarenta. En 1949 ingresó a la orquesta de Alfredo Gobbi, donde permaneció siete años, grabando 18 temas. Era curioso observar el manejo que hacía del micrófono, en cada una de sus participaciones, acercándose y alejándose del mismo.

En 1954 pasó a la orquesta de Osvaldo Pugliese desempeñándose junto a Miguel Montero. Hasta 1968, grabó con Pugliese 66 temas. Pasó a integrar el conjunto “Sexteto tango”, un desprendimiento de la orquesta de Pugliese, donde registró 24 temas.

El 25 de febrero de 1975, es sometido a una intervención quirúrgica para tratar una hernia y muere durante el acto operatorio por un trastorno anetésico

Fuente: http://www.todotango.com/creadores/ficha/967/Jorge.Maciel

Julio Sosa, Julio María Venturini Sosa, nació en Las Piedras, Uruguay, el 2 de febrero de 1928.

Llegó a Buenos Aires en 1949, ingresando a la orquesta “Francini - Pontier”, en la que permaneció hasta 1953. Realizó 15 grabaciones. Tuvimos la oportunidad de verlo, en sus actuaciones en los “Bailables de Radio El Mundo”.

En ese año pasó a la orquesta de Francisco Rotundo, donde permaneció hasta 1955, grabando 12 temas. Entre 1955 y 1960 se desempeñó en la orquesta de Armando Pontier y comenzó su etapa de solista con el acompañamiento de la orquesta de Leopoldo Federico, donde alcanzaría su mayor éxito.

El 25 de noviembre de 1964, chocó contra el semáforo ubicado en Av. Alcorta y Manuel Castilla. Fue trasladado con graves lesiones al Sanatorio Anchorena, donde falleció el 26 de noviembre de 1964. Tenía 38 años.

Fuente: Julio Sosa. Wikipedia, la enciclopedia libre.

Susy Leiva, Susy Teodora Ramona Leiva, nació en la ciudad de Mendoza, Argentina, el 31 de agosto de 1933.

El 1º de mayo de 1954, fue coronada “Reina del trabajo”. Actuó en “La Alameda, de la Avenida de Mayo. Se incorporó a la orquesta de Juan Canaro recorriendo Japón y Latinoamérica.

En México conoció a Libertad Lamarque, quien le presentó a Marianito Mores, con el que desarrolló una etapa consagratoria, recorriendo Cuba y México. A su regreso, trabajó en el “Teatro Astral”.

Fue un gran éxito su participación en el programa televisivo “Casino Phillips”. Los temas tangueros que la consagraron fueron “Frente al mar”, “Remembranzas” y “Nada”. Su paso por el cine fue breve y olvidable.

Las giras dentro del país aumentaron progresivamente. El 4 de octubre de 1966, luego de participar en el canal 5 de Rosario, en la ruta 9, cerca de la localidad de Baradero, mientras viajaba en auto con su marido y representante, Manuel Villamor, en evidente estado de ebriedad, chocó su auto de frente contra otro, falleciendo en el acto.

Fuente:http://www.todotango.com/creadores/biografías/759/Susy-Leiva

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LAS MUERTES TRÁGICAS EN EL TANGO (1)

Algunas de las figuras más famosas del tango, tuvieron un fin trágico e inesperado. Su vigencia ha perdurado a través de sus grabaciones, que nos han permitido evocarlos frecuentemente.

Enrique Mario Francini.- Fue director de orquesta, compositor y violinista argentino, nacido en San Fernando el 14 de febrero de 1916.

Comenzó su actividad en la orquesta de Juan Elhert, por Radio Prieto. Luego en la orquesta de Miguel Caló, la famosa “Orquesta de las Estrellas”. En 1945 formó rubro con Armando Pontier durante 10 años, con continuado éxito, teniendo como vocalistas destacados a Alberto Podestá, Julio Sosa, Raúl Berón y Roberto Rufino.

Formó su propia orquesta con el aporte de Alberto Podestá. Integró el “Octeto Buenos Aires”, formado por Astor Piazzolla. El “Quinteto Real”, junto a Horacio Salgán, Pedro Láurenz, Ubaldo De Lío y Rafael Ferro. Actuó en “Los Astros del Tango”, junto a Emilio Vardaro.

En 1970 formó un Sexteto junto a Néstor Marconi, actuando en la tanguería “Caño 14″. En 1973 reconstruyó la orquesta con Armando Pontier, haciendo giras en Japón con la cantante Alba Solís. Desde 1958, se desempeñó como primer violín de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires.

Sus composiciones fueron éxitos trascendentales: “Mañana iré temprano”, “Tema otoñal”, “Delirio”, “La vi llegar”, “Junto a tu corazón”, la milonga “Azabache”, son sólo algunos de los más destacados.

El 27 de agosto de 1978, mientras se encontraba en plena ejecución del tango “Nostalgias”, en el escenario de “Caño 14″, sufrió un infarto agudo, falleciendo en el acto.

Fuente: http://www.sanfernandonuestro.com.ar/wp/enrique-mario-francini-del-barrio-crisol-del-mundo-con-su-violin

Francisco  Fiorentino, Fiore.- Fue un bandoneonista y cantor de tangos, nacido en Buenos Aires, el 23 de setiembre de 1905. 

Estudió bandoneón con Minotto de Cicco. En la década del 20, formó un trío con José Martínez al piano y su hermano Vicente en violín, trabajando en cafés, cines y teatros.

Integró las orquestas de Francisco Canaro, Juan Carlos Cobián, Juan D’Arienzo, Angel D’Agostino, Pedro Maffia, Orquesta Típica Víctor, Roberto Firpo y Roberto Zerrillo. En la década del treinta trabajó en las radios Belgrano y Argentina, y en el conjunto “Los poetas del tango”.

Pero el 1º de julio de 1937, fue convocado por Aníbal Troilo, iniciando la época de oro, hasta el año 1943, grabando 62 temas, el último el 30 de marzo de 1943. Después cantó con las orquestas de Orlando Goñi, Astor Piazzolla, José Basso y Alberto Mancione, pero nunca alcanzó el nivel y la calidad que demostró junto a “Pichuco”, en el tradicional cabaret “Marabú”, en Maipú 359.

Compuso los tangos “Pa’ que seguir” y “Orquestas de mi ciudad”. La vida nocturna y los excesos, fueron cobrando su precio. Sus presentaciones en público por el interior del país, en teatros, clubes, o boliches de bajo rango, fueron lo habitual.

El 10 de noviembre de 1955, cantó en un baile a beneficio de la escuela “Alfonso Bernal”, en la localidad de Rivadavia, a 35 kilómetros de la ciudad de Mendoza. Al regresar a la ciudad, con unas copas de más, lo hizo por un camino de ripio. Al cruzar el puente Banegas sobre el río Tunuyán, el auto cayó al lecho del río. A los demás, no les pasó nada pero “Fiore”, se golpeó y perdió el conocimiento, cayendo boca abajo sobre un charco de agua, configurando la muerte más estúpida en el mundo del tango.

Fuente: http://www.buenosairesantiguo.com.ar/patiodetango18.html

http://www.elportaldeltango.com/especial/FranciscoFiorentino-2012.html

Osmar Maderna.- Fue pianista, director, arreglador y compositor nacido en Pehuajó, Provincia de Buenos Aires, el 26 de febrero de 1918. 

A los 13 años, formó el conjunto musical “Vitaphone”, actuando en su pueblo. Se trasladó a Buenos Aires en 1938 y al año siguiente, se incorporó a la orquesta de Miguel Caló, reemplazando al pianista Héctor Stamponi.

Permaneció hasta 1945, desvinculándose para crear su orquesta, con los vocalistas Orlando Verri y Luis Tolosa. Debutó en el “Café Marzotto”, y trabajó en el “Tango Bar”, “Radio Belgrano” y “Radio El Mundo”. Comenzó a grabar en 1946. Primero en el sello uruguayo “Sondor” y luego en el sello “Víctor”, donde dejó 52 temas, el último el 29 de marzo de 1951.

El 28 de abril de 1951, mientras volaba su avión, disputó una carrera con Alberto López, otro piloto. Mientras realizaban maniobras peligrosas en el área de Lomas de Zamora, ambos aviones chocaron, y el de Maderna se precipitó a tierra desde una altura de 150 metros, muriendo en el acto. Finales trágicos de nuestras figuras máximas del tango, en ese Buenos Aires que se fue.

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LUIS SASLAVSKY

Luis Saslavsky fue un director de cine, guionista y escritor, nacido en Rosario, Provincia de Santa Fé, Argentina el 21 de abril de 1903.                                              

A los 6 años llegó a Buenos Aires y durante su juventud vivió en París, donde estudió dibujo y pintura. Se caracterizó como carente de talento por lo que regresó a Buenos Aires. Estudió Abogacía pero muy pronto abandonó los estudios y se dedicó al Periodismo.

Fue Crítico de Cine en el diario “La Nación”, situación que le permitió viajar a Hollywood en 1933, como corresponsal de cine. Esto le permitió entrevistar a los grandes de la época. Trabajó para la Metro-Goldwin-Mayer como asesor técnico de la película “Vuelo nocturno”, por lo que finalizó su tarea en “La Nación”.

Fue periodista del diario “Crítica”. Fundó la productora “SIFAL”, junto con el director Alberto de Zavalía. Esta empresa produjo “Crimen a las tres” en 1934 y “Escala en la ciudad”, también en 1934. Fueron las primeras películas de Saslavsky y De Zavalía respectivamente. Aunque originales, fueron un fracaso por falta de atracción popular.

En 1937 filmó “La fuga”, con Santiago Arrieta y Tita Merello, con una atractiva fluidez del relato mediante imágenes, y con buena aceptación. Le siguieron una sucesión de éxitos tales como “Puerta cerrada” en 1938, “La casa del recuerdo” en 1939, “Eclipse de Sol” en 1942, todas con Libertad Lamarque.

“Historia de una noche” en 1941, “La dama duende” en 1944 con Delia Garcés y guión de Rafael Alberti, por la que obtuvo en 1946, el Premio de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de la Argentina por la mejor película y el mejor director. Después de presentar “Vidalita”, en 1949, marchó para Europa. Su oposición a la ideología peronista le impidió continuar trabajando en el país y se afincó primero en Francia y luego en España.

Recibió un importante apoyo de María Félix y de Jean Cocteau y filmó en 1951 “La corona negra” en España iniciando su trabajo en el exilio. Trabajó en Francia donde realizó cuatro películas: “Camino de perdición”, “Las lobas”, “Premier mai” y “Le corps tant desire”, entre 1954 y 1959.

Continuó su labor en España realizando “A hierro muere”, “Historia de una noche” y “El balcón de la luna”, todas de 1962. “Las ratas” en 1963 y “Placeres conyugales” en 1964. Luego de 15 años de ausencia, retornó a la Argentina.

Como escritor pasó casi desapercibido. Obras como “A sangre fría” y “La fábrica lloraba de noche” se destacaron en su producción. Cultivó la amistad de reconocidos escritores como Victoria Ocampo, Eduardo Mallea, Jorge Luis Borges y Ulises Petit de Murat entre otros.

Este original realizador de unas treinta películas, se desempeñó en la época de mayor producción cinematográfica argentina. Recibió críticas y elogios por la sofisticación de su estilo y trabajó con los actores y actrices más populares de la época.

En 1984, recibió el premio Konex de Platino al mejor guionista de Argentina. Falleció casi olvidado, el 20 de marzo de 1995, en ese Buenos Aires que se fue.

Fuentes: https://es.wikipedia.org/wiki/Luis_Saslavsky

http://www.lanueva.com/opinion-impresa/666193/-los-inicios-del-gran-Luis-Savslavsky.

Morales Ivan. Luis Savslavsky: Hollywood vivido e imaginado. AURA 4:31-53. 2016

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PAUL MISRAKI

Paúl Misraki nació en Constantinopla (ahora Estambul), Turquía, el 28 de enero de 1908.

Comenzó a ejecutar el piano a los 4 años de edad. Viajó a París donde se crió y educó. Estudió música clásica, pero se sintió atraído por el jazz, especialmente por la música de George Gershwin y Cole Porter.

Se desempeñó como pianista y arreglador en la orquesta de jazz de Ray Ventura, la más popular de Francia en la década del 30. En 1934 escribió la canción “Todo va bien, Señora Marquesa”, un éxito rotundo con el que alcanzó gran popularidad en Francia.

Escribió canciones para los cantantes de la época y música para películas. Al comenzar la Segunda Guerra Mundial, salió de Francia con destino a Sud América, llegando a la Argentina en 1942, proveniente de Montevideo, Uruguay, junto con la Banda de Ray Ventura.

Su estancia en Buenos Aires se prolongó hasta fines del año 1944. Su intensa actividad quedó reflejada en la música compuesta para siete películas; “Stella” y “Eclipse de Sol” en 1943.  ”Siete mujeres”, “La importancia de ser ladrón”, “Delirio”, “El fin de la noche” y “La casta Susana” en 1944. En julio de 1944 se estrenó la comedia musical “Si Eva se hubiese vestido”, de Sixto Pondal Ríos y Carlos Olivieri, con música de Misraki.

Es reconocido el éxito obtenido con los boleros “Final” y especialmente “Una mujer”, cuyos versos dicen: “La mujer que al amor no se asoma / no merece llamarse mujer…”, versos que han dado la vuelta al mundo. Después de la Liberación de Francia regresó a París. Durante la década del 50 compuso en Hollywood la música de películas para Ives Allegret, Jacques Becker y Orson Welles.

En la década del 60, de regreso a Francia, trabajó para los directores Jean Luc Godard, Jean Pierre Melville y Claude Chabrol, entre otros. Escribió 185 canciones, en idiomas francés, inglés y español, y compuso la música de más de 160 películas. En 1965 publicó su libro “Los extraterrestres”.

Continuó trabajando hasta su muerte ocurrida en París, el 30 de octubre de 1998.  Fue nombrado Caballero de la Legión de Honor y Oficial de las Artes y de las Letras. Paul Misraki, brillante músico y compositor, escribió la música de siete películas argentinas y vivió 3 años en Buenos Aires, en ese Buenos Aires que se fue.

Fuente: Shoo E. Una flor para Paul Misraki. La Nación, 14-11-1998.

https://es.wikipedia.org/wiki/Paul_Misraki

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LUIS ZORZ, MAESTRO DEL FILETE PORTEÑO

Luis Zorz, Luisito, nació en Buenos Aires, el 17 de julio de 1932, en el pasaje Vinchina 1576, en el barrio de Flores.

Fue su maestro en el filete, el reconocido artista León Untroib, a quien conoció en la fábrica de carros “Lloyds Hermanos”, cuando tenía 12 años. Untroib le proporcionó el primer trabajo, retocar las chatas con pintura. La relación con Untroib duró hasta el fin de sus días.

El letrista Alfonso Ravena, de Villa Lugano, le trasmitió sus conocimientos, que le permitieron trabajar como oficial letrista a los 16 años. En su amplio taller de Villa Lugano, un verdadero museo del filete, Zorz elaboró la mayoría de sus trabajos, que han quedado felizmente plasmados en cafés, restaurantes, y especialmente en las calles de los distintos barrios de la Ciudad, como Boedo, Parque Patricios y Barracas.

También en  los carteles de publicidad de cines y teatros de la calle Corrientes, así como los que coronan el Bar Restaurant “Homero Manzi”, en la esquina de San Juan y Boedo,  clásicas muestras de su reconocido talento.

Pero es importante destacar las placas  recordatorias de personajes de la cultura porteña y del tango, como Mercedes Simone, Sebastián Piana, Osvaldo Pugliese, Leónidas Barletta, la “Editorial Claridad”; de la salas cinematográficas de Boedo, hoy inexistentes, ya que están reemplazadas por templos religiosos y comercios varios.

Luis Zorz sigue en actividad, ahora en Parque Patricios, fileteando y ejerciendo la docencia los días sábados en el “Foro de la memoria”, donde durante 2 horas, transmite su amplia experiencia en el arte del filete. Integrante de Nuestro Patrimonio Cultural Porteño, ha recibido múltiples distinciones y homenajes.

Luis Zorz es un artista que supo plasmar a través del filete, el recuerdo de los representantes de la cultura popular porteña de ese Buenos Aires que se fue.

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GORI MUÑOZ

Gregorio Muñoz Montoro, Gori Muñoz, nació en Benicalap, Valencia, España, el 26 de julio de 1906.

Estudió Bellas Artes y Arquitectura en Madrid y trabajó como ilustador y decorador. Al finalizar la Guerra Civil Española, se embarcó desde Francia en el buque “Massilia” y se exilió en Buenos Aires, donde realizó la mayor parte de su obra como escenógrafo y dibujante.
Trabajó como escenógrafo en el teatro español en el exilio y en el cine argentino, integrando la escenografía con lo que sucedía en la película y diseñando el vestuario. Su habilidad para describir ambientes de todo tipo, estaba basada en minuciosos bocetos, producto de un estudio muy profundo.
Debutó como escenógrafo del cine nacional en la película “Canción de cuna”, en 1941, bajo la dirección de Gregorio Martínez Sierra, la primera de la larga serie de 194 películas en las que dejaría su sello inconfundible de creatividad y estilo, enriqueciendo el contenido de cada una de ellas.
Trabajó en “Estudios San Miguel”, a partir de la película “Juvenilla”, destacándose la reconstrucción que hizo del Colegio Nacional Buenos Aires, de sus patios y su claustro. Fue el comienzo de una colaboración inolvidable para la época de mayor esplendor del cine argentino, que lo catapultó a liderar el cine latinoamericano.
Fueron exclusivas las reconstrucciones históricas realizadas para las películas “La dama duende”, “Rosa de América” y “La barra de la esquina”. Integró una trilogía única junto a Raúl Soldi y Ralph Pappier, que revolucionó el arte de la escenografía nacional, mejorando los resultados fotográficos y sonoros.
Luego de una extensa y fructífera carrera artística, falleció en Buenos Aires, el 27 de agosto de 1978. Gori Muñoz, el gran contribuyente a la evolución de la escenografía en el cine argentino, vivió en Buenos Aires, en aquel Buenos Aires que se fue.

Fuentes: Ranzani, O. Bocetos para una historia cambiante. Página 12. 26 oct. 2006.
https://es.wikipwdia.org/wiki/Gori_Muñoz

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